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国画山水的构图怎样是对的，为什么有衔接不上的感觉
创作中国山水画用西方近实远虚，近大远小的方法。它有自己的透视方法，立意高远，平远和深远，将地平线和视平线相视角结合，有一种非常立体的感觉。街接不上产生的原因就是元进镜的处理上。
经营位置，国画的构图怎样才讲究
对于国画来说，或者说，对于中国传统的文化来说，气韵生动，意境深远，才是最高的追求。
而经营位置或者说构图，其实是属于形而下的东西，也就是工匠的东西。
因此，不必过多的去思考经营位置或者构图。
当然，作为初学者，是有必要系统学习一下国画的基本构图章法的了。
但是，这些只适合初学者学习，这些也只是一个初学者的拐杖而已。
学完了，学会了，入门了，就可以扔掉这个拐杖了。
然后，你问，怎么才能讲究？
这个讲究，初学者能够怎么讲究呢？
对于初学者来说，了解基本的构图法则或者说构图章法，实践一下，就可以了。
你没有必要讲究的了。
当你过了初学者的阶段之后。
当你成了老手之后，更不应该去讲究构图啊！
当你入门了，进门了，过了初级阶段。
构图就没有意义了。
我说的句句都是真话。
欢迎大家交流，欢迎批评指正。
中国画在构图时应注意哪些方面尔雅
第一点：立意
就是你想画什么，决定哪些可以入画，哪些不可以入画，哪些是重点，将自己的意图周密思考后确定下来。
第二点：提炼取舍
在想画的景物中，哪些是重点表现的，哪些是次要的，哪些可以少画或不画的，经过提炼、取舍确定下来。
第三点：主题明确
写一篇文章，需要有主题，其内容完全为主体服务。作画也是如此，确定主题重点画什么，主题是主，其余皆是宾，所有的宾均为主题服务，并且要和谐统一完整。
第四点：确定亮点与留白
画面有白则亮，有白则透，无白则黑，黑就是闷，闷就是不快活，所以留白与亮点的确很关键。
第五点：确定比列大小
画面中各部景物的大小，相互比较，大小、高矮、宽窄均要适当合理，如有一处比例失调，则会破坏全局。
第六点：造势
山水画应当有气势，或风或雨，或阴或晴，总体画面的走向延续，疏密与多少的变化关系，物象表态等，均能影响画面的气势，要画出齐派气势来就是造势。
第七点：轻重与明暗
统一思考成熟，确定何处深重紧密，何处明亮疏散，注意黑白、虚实、疏密、轻重、浓淡、大小、远近精细的对比。
国画讲究的是皴擦点染，那么油画有哪些技法
国画偏重写意，对造型结构和立体感效果的要求不是那么严格，在画面中主要传达一种趣味和神韵，又由于宣纸吸水性很强，渍化效果好，能较快形成墨韵，因此，在具体技法运用上，皴擦点染完全能表现出国画韵味的要求。
提香《花神》
但油画不同，油画是13世纪末期，从蛋彩画的基础上改进后而来，在形成之初，油画就模仿古希腊古罗马时期写实性和立体感极强的雕塑来创作，之后又参照现实中的人物和静物来创作，并追求客观的真实性，这就给油画设立了一个标准，那就是：以形传神，追求逼真的写实性和强烈的立体感，是油画的核心。
因为有这样的艺术要求，所以，油画创作的技法相比国画要丰富很多，总共有10多种技法，经常使用的有这么几种。
弗洛伊德《傻笑的女孩》
一，线
线在古典油画中，是一种非常重要的造型手段，实际上，跟中国画里的线条勾勒造型没有多大区别。早期的油画家在创作时，首先要画好底稿，就必须先用纤细的线条来勾勒出造型，然后才画。从后印象派之后的油画创作中，线条的作用更明显，是因为油画吸收了东方绘画的线性语言，突出了油画的写意性，对线条的依赖更加明显，像莫奈、梵高、马蒂斯、毕加索等大师，都喜欢用形态不同的线条来造型。
鲁本斯《化妆的维纳斯》
二，挫
挫是油画染色的一种方法，与国画中的皴法有些类似，都是平握着画笔，用逆锋的方式运笔，运笔有轻有重，有快有慢，因为笔根和笔尖蘸取颜料的多少不一样，染色时就能体现出富于肌理效果和变化多端的色差。
雷诺阿《船上的午宴》
三、拍
拍是一种染色方法，是用平头画笔蘸取颜料后，在画面上有节奏的拍打，从而形成深浅不一的色调。拍能有效衬托画面的肌理效果，还能补救一些败笔，比如，画面有些地方色彩和笔触过于显眼的话，就用拍的技法来遮盖。
蒙克《生命之舞》
四、扫
油画里边常常不止一个色块，如果两个色块之间的色调差异过大的话，看起来会不和谐，这时，就需要用“扫”这种技法把它们衔接起来，让它们看起来自然一点。同时，扫还能抹平色块上过于明显的笔触痕迹。
梵高《岩石》
五、涂
涂在油画中非常重要，是产生色块的技法，如同放大版的挫法。在表达不同韵味上，有薄涂、平涂和厚涂三种方法，薄涂是用调色油把颜料稀释后涂抹在画布上，看起来是半透明状的。平涂就是均匀涂抹，画面上看不到较为明显的颜料厚度，像古典油画常用这种涂法。厚涂就是要在画布上能看到颜料的堆积感和体积感，像梵高喜欢用这种涂法。
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